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Música Clásica y ópera de Classissima

Juan Sebastián Bach

lunes 25 de septiembre de 2017


Pablo, la música en Siana

22 de septiembre

Briggs sinfónico en el KLAIS

Pablo, la música en SianaJueves 21 de septiembre, 21:00 horas. XXXIV Festival Internacional de Órgano Catedral de León (FIOCLE): David Briggs (órgano). Obras de J. S. Bach, F. J. Haydn, D. Briggs, O. Messiaen, M. Ravel, G. Mahler y N. Rimsky-Korsakov. Entrada libre. Precio del programa general: 1 €. San Mateo además de fiesta en Oviedo (y Logroño), está marcado normalmente en mi calendario como el inicio del FIOCLE hasta noviembre con el patrocinio del CNDM (dentro del ciclo Músicas Históricas de León), que este año alcanza su trigésimocuarta edición mientras sigue presumiendo de su "bicho", el órgano KLAIS ante el que los más reputados intérpretes comienzan a rendir pleitesía y admiración, como este primer concierto con el británico David Briggs (1962), que repetía visita a la Pulchra Leonina tras su participación en Todo Bach, comentando a los presentes en español antes de arrancar el concierto su devoción por un instrumento que en manos como las suyas volvió a sorprender a un público que hizo larguísima cola (llegando por la calle Ancha casi hasta la Casa Botines), porque a León acuden aficionados y peregrinos que mantienen año tras año un festival variado con el "rey de los instrumentos" como verdadero protagonista, articulado en torno a la música francesa en los diecisiete conciertos previstos para esta edición. Enhorabuena. Si el "bicho" ya está sonando a lo largo del año celebrando los 25 años de la muerte de Olivier Messiaen cual Bach del siglo pasado en cuanto a la magnitud de su producción para órgano, qué mejor que unir a ambos en este primer programa, entretenido y variado donde las transcripciones orquestales junto a las improvisaciones también encontraron hueco. El amante de los pájaros seguirá con su monográfico dentro del festival con Giampaolo Di Rosa pero muchos conciertos también le recuerdan y David Briggs no dudó en sumarse al homenaje. Como "prueba de fuego", que también se cita en el programa general de este concierto inaugural, nada mejor que comenzar con J. S. BACH (1685-1750) y su popular Toccata y fuga en re menor, BWV 565 para hacer "rugir el bicho" desde unos ornamentos plenamente barrocos pero con registraciones e interpretación de lo más romántica. David Briggs optó por registros puede que "distintos", especialmente en la fuga mezclando nasardos cuya afinación no sea del todo idónea en las contestaciones, así como un rubato continuo pero buscando el contraste típico desde un mayor impacto tímbrico que por la disposición de los tubos consiguió efectos estereofónicos muy logrados. También jugó el británico con sonidos encontrados esta vez perfectos para las Tres Piezas para reloj musical (de "Flötenuhrstücke", 1772/93) de FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809), verdadero juguete en las manos del virtuoso intérprete que brilló mucho más en sus Variations on Greensleeves (2005), en una lenguaje actual lleno de disonancias explorando los registros del KLAIS donde a la conocida melodía tradicional inglesa se la reconocía revestida de unos sonidos y ropajes cercanos al siempre innovador y celebrado OLIVIER MESSIAEN (1908-1992) de quien Briggs eligió Le banquet céleste (1928), registros ya conocidos en el gran órgano alemán que resultaron como si para él fuesen indicados directamente por el galo al inglés. Comentaba unas líneas más arriba que la música francesa será el eje vertebrador de esta 34º edición del FIOCLE, más allá de Messiaen, y así pudimos disfrutar de "la orquesta KLAIS" gracias a la transcripción que Eugenio Maria Fagiani hizo de La Valse (1919/20) de MAURICE RAVEL (1875-1937), tal vez majestuosa aunque poco clara en su escucha desde mi posición (esta vez a la entrada de la catedral, con la consola colocada en medio del coro y el público sentado en bancos y las "sillas de tortura" plegables rellenando todos los huecos posibles). Hubo momentos de sonoridades más logradas, la utilización del pedal de expresión consiguiendo efectos verdaderamente sinfónicos, la "pegada" del pedalero como contrabajos aerófonos (nunca la cuerda encontrará equivalencia en el órgano o el piano) y por supuesto los registros de trompeterías y lengüetería que ayudaron a darle esa pátina tan impresionista llena de colores de esta partitura inigualable en instrumentación de la que Ravel fue único y Fagiani parece haber buscado casi al detalle, faltando solamente una ejecución a la altura del compositor y transcriptor. El propio Briggs hizo su propia transcripción del emocionante Adagietto de la Sinfonía nº 5 (1901/02) de GUSTAV MAHLER (1860-1911) que a diferencia con la anterior de Ravel buscó sonoridades propias en vez de intentar recrear unas cuerdas siempre imposibles en un órgano no electrónico. Puede que las emociones y recuerdos que afloran con esta música, en cualquier versión que elijamos, sean especiales para muchos de los presentes, dolor del alma que han hecho del Adagietto de la Quinta un himno a la pena "cantado" desde el respeto a la partitura por parte del organista inglés. Continuó la fiesta sinfónica en el "bicho KLAIS" con NICOLÁI RIMSKY- KORSAKOF (1844-1908) y su conocidísimo El vuelo del moscardón (1899-1900) en arreglo de Willi Nagel, breve y virtuoso contagiando el humor de esta partitura orquestal que en el órgano con Briggs sirvió de contrapunto emocional del gran Mahler. Y como David Briggs además de compositor y transcriptor es un reconocido maestro del órgano, las improvisaciones no pueden faltar en un concierto suyo. Así desde dos melodías tan conocidas como la Oda a la alegría de Beethoven más el himno God Save The Queen, el intérprete británico nos dejó una peculiar Improvisación: Tríptico Sinfónico sobre ambos temas con estructura propia, "Introducción y Scherzo - Fuga - Finale", verdadera lección de una técnica que parece haberse recuperado por parte de muchos músicos como siempre se hizo desde los orígenes, esta vez con el lenguaje ya comentado de música atonal pero deudora de toda una vida transitando por la historia de la literatura musical como los propios compositores han afrontado sus obras. Búsqueda de registros que siguen apareciendo nuevos, luminosos como las vidrieras, oscuros como las interioridades pétreas, mosaico sonoro del órgano de Bonn cuyos tubos van tomando recio acento castellano en las catedralicias piedras seculares leoneas. La química entre intérprete e instrumento trasciende a los aficionados que seguiremos peregrinando para disfrutar con tantos maestros como está previsto sigan haciendo Música desde sus teclados, el único lenguaje universal. Un breve regalo de virtuoso con sonoridad americana (si se quiere canadiense) tras hora y media disfrutando.

Pablo, la música en Siana

18 de septiembre

Esplendor solamente vocal

Domingo 17 de septiembre, 19:00 horas. Teatro Campoamor, Coro "El León de Oro", Grupo Vocal KEA (director: Enrique Azurza), director: Marco Antonio García de Paz: "El esplendor de la polifonía", obras de Lasso, Victoria, Stanford, Schnittke, Holst y Martin. Entrada butaca: 14 €. Deberíamos haber celebrado un cumpleaños de oro para conmemorar el del Teatro Campoamor pero solo refulgió el coro asturiano con veinte años "rugiendo", como sus fieles leónigans. La política cultural del ayuntamiento capitalino sigue errando en su concepción musical, manteniéndose a duras penas lo que tantos años ha costado alcanzar, eliminando por equivocadas visiones eventos que eran toda una inversión (nunca gasto) y pergeñando una pobre celebración de estos 125 años donde se mezclan óperas y zarzuelas ya previstas, con intérpretes tan dispares como Rodrigo Cuevas, Estrella Morente e India Martínez en el mismo cartel que Paco Ibáñez con Jerónimo Granda, la Real Banda de Gaitas local con la Oviedo Filarmonía o Barbara Hendricks, que con nuestro laureado coro El León de Oro (LDO), aprovechando que el Caudal pasa por Mieres y el Gafo por La Manjoya, al menos figuran dentro de la mal llamada "música culta" (mejor que clásica). Desconocer la historia del coliseo asturiano parece haberles llevado a "olvidar" los grandes nombres de la lírica o la escena que por sus tablas han pasado y engrandecido sus propias biografías, para hacer un "tótum revolútum" de estilos y públicos en una concepción de la cultura errática y fuera de lugar, confundiendo la  "Excelencia en el gusto por las bellas artes y las humanidades, también conocida como alta cultura" frente a "Los conjuntos de saberes, creencias y pautas de conducta de un grupo social, incluyendo los medios materiales que usan sus miembros para comunicarse entre sí y resolver necesidades de todo tipo", que hasta la popular y excesivamente consultada Wikipedia© explica más detalladamente. Amén de gaitas y placa conmemorativa con asistencia de distintas autoridades locales, no se cantó "cumpleaños feliz" pero al menos los compases finales de la última función de Sigfrido y El León de Oro pusieron la música en las horas extremas del día que le correspondía soplar velas a esta longeva historia de un teatro que lleva el nombre de nuestro escritor y periodista naviego Ramón de Campoamor gracias a la sugerencia de otro ilustre, Leopoldo Alas «Clarín». Y el programa que nuestro coro más internacional y laureado eligió para conmemorar la doble efeméride, veinte y 125 respectivamente, también buscó hacer historia y cronología de la polifonía religiosa "a capella", de Lasso a Martin sin olvidarse de nuestro universal Tomás Luis de Victoria. Difícil búsqueda que tuvo la recompensa para el numeroso público de poder disfrutar todas las excelencias de un coro "amateur" que canta como un profesional para compartir con los tolosarras de KEA una segunda parte al alcance de muy pocas formaciones corales. La primera parte arrancó con el coro de cámara, otra de las virtudes de los "Leones de Marco" en cuanto a combinaciones posibles dentro de su plantilla, con las Lamentaciones (tertia, primi dei) a cinco voces de Orlando di Lasso (1532-1594), impecables y bien explicadas (como el resto del programa) en las notas de la doctora Diana Díaz González. Sumando efectivos y manteniendo calidad nada menos que el Regina Coeli (Tomás Luis de Victoria, 1548-1611), recogiendo lo sembrado por Peter Phillips, enamorado hace años de este coro, del que dijo «es extraordinariamente inusual encontrar un coro grande capaz de cantar música del Renacimiento con tanta calidad», madurando y posando las enseñanzas para dejarnos una versión íntima, equilibrio y pureza, delicada sin excesos -no suele haberlos en "los leones"- para realzar el texto con la música en la mejor línea del abulense, también de oro como esta polifonía seguidora de Palestrina y Trento pero Contrarreforma elevada a lo sublime. Salto en el tiempo y nuevo aumento de efectivos, coro ideal para el irlandés Charles Villiers Stanford (1852-1924) y su Beati quorum via. Sacar de nuevo obras ya trabajadas por los luanquinos supone recuperar y volver a descubrir matices y presencias, equilibrios con dinámicas increíbles desde la técnica perfecta al servicio de la música, una belleza polifónica que sigue admirando a todos los amantes de la música vocal. Aún quedaban dos joyas cercanas en el tiempo, del soviético-alemán Alfred Schnittke (1934-1998) sus Drei geislitche Gesänge (Tres himnos sacros) a 8 voces, un despliegue buscando abrazarnos con el sonido siempre único del coro asturiano donde el derroche es emocional, muy trabajado por todas las cuerdas con exigencias solventadas sin problemas (detalles mínimos que no merece ni mencionar) y Nunc dimittis del británico Gustav Holst (1874-1934), una de las obras emblemáticas de los asturianos que siempre suenan irrepetibles dependiendo del lugar donde la canten, jugando con la acústica que en el Campoamor sigue siendo impecable como la versión del LDO. Armar una obra para sesenta voces uniendo dos coros me recordó el reto de Sigfrido con las dos orquestas. Cuando la dirección es la correcta y el estudio detallado lleva un trabajo minucioso, los retos se alcanzan y la recompensa del éxito es la deseada. El Grupo Vocal Kea que dirige Enrique Azurza son unos profesionales que ya nos emocionaron hace años en la Semana de Música Religiosa de Avilés, compartiendo con LDO ese monumento cultural que se mantiene pese a todo(s) en la Villa del Adelantado. Compartir escuela de dirección y canto (Musikene es un referente internacional) hace fácil lo difícil, por lo que la Messe pour double choeur a capella (2004) del suizo Frank Martin (1890-1974) nos permitió escuchar en Asturias una interpretación irrepetible por lo plena, con Bach en el origen siempre exigente para todo músico, los cinco números del ordinario de una misa que como decía Marco a la prensa (que dejo al final de esta entrada), "se puede disfrutar con oídos ateos" -algún despistado intentó aplaudir entre el Kyrie y el Gloria-. El empaste y afinación de los dos coros fue encomiable, digno de destacarse para una partitura complicada, de registros extremos en todas las cuerdas, con momentos tensos resueltos con brío y aplomo, volviendo a demostrar lo necesario de un equilibro dinámico entre ellas que pocos consiguen, cambios rítmicos, juegos onomatopéyicos de gran riqueza, pinceladas de calidad e intimismo contrastadas con fortísimos nunca estridentes. Aplaudir el trabajo de los directores y coristas para alcanzar la excelencia buscada, difícil, costosa, sacrificada, cercana pero siempre agradecida. El esplendor de este doble cumpleaños no pudo ser mayor musicalmente. Y como Bach siempre será "el padre de toda la Música", en mayúsculas para evitar errores de concepción, con el sello dorado de colocar parte del coro rodeando al público del patio de butacas, ampliando escenario y sonoridades, el regalo de Knut Nystedt (1915-2014), al que KEA me descubrió en Avilés, con su Immortal Bach, una recreación mejor que "deconstrucción" del coral Komm, süsser Tod, BWV 478 donde las disonancias y juegos dinámicos alcanzados por este tren (coral) Vasco-Asturiano llegó a la estación de Campoamor como la más cálida ceremonia musical para una efemérides a la que le faltaron otros brillos. Enlaces: Dos entrevistas a Marco Antonio García de Paz en la prensa regional: Crítica de Ramón Avello en El Comercio.




Ópera Perú

18 de septiembre

Llega a Lima extraordinaria soprano Jessye Norman

© Carol Friedman(Difusión) La Asociación Cultural Teresa Quesada cierra su temporada 2017 presentando, por primera vez en Lima, a la legendaria soprano Jessye Norman, en un recital en el que ofrecerá lo mejor del cancionero de los grandes autores americanos, como parte de su gira mundial "Close to her heart". La histórica cita será el lunes 30 de octubre a las 8:00 pm. en el Gran Teatro Nacional.La amplitud del ecléctico repertorio de Jessye Norman no tiene comparación. Ella nos trae la gran pasión por el canto de su amplio repertorio en los principales teatros de ópera y concierto del mundo, así como en su aplaudida incursión en el ámbito del Jazz. Jessye Norman es una artista que se encuentra una vez cada generación. Una verdadera soprano dramática de majestuosa presencia escénica, se relaciona en particular con la música de clásicos como Bach, Mozart, Beethoven, Berlioz y Brahms, modernos como Mahler, Wagner, Schönberg, Berg, Stravinsky y Ravel, y del repertorio popular como Gershwin, Bernstein, Rodgers and Hammerstein, Duke Ellington y otros. Su carrera de varias décadas ha sido extraordinaria: En 1997 fue la personalidad más joven en recibir el Premio Kennedy Center Honors en Washington DC de manos del Presidente Bill Clinton. En 1984 fue condecorada con la Legión de Honor del gobierno francés, quien nombró una orquídea con su nombre. Recibió el 2006 Lifetime Achievement Award de la Academia Discográfica (The Recording Academy) y fue nombrada en 1990 Embajadora Honoraria de las Naciones Unidas, por el Secretario General Javier Pérez de Cuéllar. Su ciudad natal, Augusta, Georgia, le dedicó un anfiteatro junto al río a principios de los años 1990. El alcalde de Pasadena, California, declaró el 22 de setiembre como el "Día de Jessye Norman" en su ciudad. Norman ha sido invitada a cantar en acontecimientos públicos y ceremonias, entre ellas, las inauguraciones presidenciales de 1985 (Ronald Reagan) y 1997 (Bill Clinton), el 60.º cumpleaños de la reina Isabel II, y la celebración del bicentenario de la Revolución Francesa en la Place de la Concorde de Paris, en la que cantó La Marsellesa vestida con los colores de la bandera francesa ante una multitud de miles en un evento televisado a todo el mundo y ante la presencia de líderes mundiales. En el año 2015 fue galardonada con el Premio Wolf, y fue nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Oxford en 2016.La discografía de Jessye Norman abarca un repertorio ecléctico y está compuesto por decenas de discos, colaborando con los mas grandes artistas de nuestro tiempo. La colaboración de Norman con algunos de los artistas más excitantes y creativos de hoy en día de muchas disciplinas diferentes, añade aún más profundidad a su propia exploración de las artes en todas sus formas.Para su gira sudamericana, Jessye Norman presentará un repertorio como homenaje y celebración al teatro musical americano, con los mas grandes éxitos de Leonard Bernstein, George Gershwin, Rogers & Hammerstein, Kurt Weill, Duke Ellington, así como un homenaje a grandes como Ella Fitzgerald, Nina Simone, Odetta y Lena Horne. La colosal cantante estará acompañada por el pianista Damien Sneed.Esta extraordinaria artista se presentará este lunes 30 de octubre en el Gran Teatro Nacional (Av. Javier Prado 2225, San Borja) y las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.Mas información en http://www.asociacionteresaquesada.com 

Soundtrack cotidiano

18 de septiembre

Tema con variaciones en el blog: 65 años

Einar Goyo Ponte Programa Tema con variaciones transmitido por Radio Capital 710 AM en Caracas,Venezuela el 17/09/2017 que celebra el aniversario 65 de este espacio radial con un atrayente Top 6 de obras de música de cámara, el género al cual ha consagrado su vida como músico el creador de nuestro espacio, el Maestro Corrado Galzio, pianista de preciso, sensible y proteico estilo, excelso en el repertorio que se ejecuta en íntimas compañías. La selección abarca nada menos que dos siglos camerísticos, que incluyen su cumbre y su modernidad,con la posibilidad de que los oyentes interactúen con nosotros votando por las obras de los compositores Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms y Gervasio, y ayudarnos a ordenarlas en una virtual cartelera de éxitos a través del tiempo. Por aquí pueden votar dejando su comentario o remitiéndolo a nuestra cuenta de twitter: @altoynítido con los hashtags correspondientes a cada item y que se anuncian en el audio del programa. Sin embargo he aquí el listado propuesto: 1) Johann Sebastian Bach: Preludio de la Suite para cello solo No. 3 BWV 1009: #TCV65Bach 2) Wolfgang Amadeus Mozart: Adagio de la Gran Partita para vientos K. 361: #TCV65Mozart 3) Ludwig Van Beethoven: Andante cantabile del Cuarteto para piano y cuerdas, Op. 16: #TCV65Beethoven 4) Franz Schubert: Andantino de la Fantasía en Do para violín y piano, D. 934: #TCV65Schubert 5) Johannes Brahms: Adagio de la Sonata en re menor, para violín y piano No. 3, Op. 108: #TCV65Brahms 6) Raffaele Gervasio: Lento cantabile del Quintetto Secondo para piano y vientos: #TCV65Gervasio Gracias de antemano por su interacción.



Juan Sebastián Bach
(1685 – 1750)

Johann Sebastian Bach ( 21 de marzo de 1685 - 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales. Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.



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