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Música Clásica y ópera de Classissima

Juan Sebastián Bach

jueves 29 de septiembre de 2016


Pablo, la música en Siana

22 de septiembre

Haselböck despierta el bicho

Pablo, la música en SianaMiércoles 21 de septiembre, 21:00 horas. Catedral de León, XXXIII FIOCLE: Martin Haselböck (órgano). Obras de J. S. Bach, G. Ligeti, F. Liszt y M. Haselböck. Concierto inicial, en colaboración con el CNDM y su ciclo "Músicas históricas". Entrada libre.  Volvía a La Pulchra el director y organista vienés pero con "el bicho KLAIS" en el día del tercer aniversario de su inauguración, con un lleno presagiado por la larga cola una hora antes, y cambiando algo el programa inicial (donde estaba Wagner) para poder hacer rugir y casi renacer el impresionante órgano alemán que va tomando acento castellano, recio y brillante en cuanto le aprietan, algo que el maestro austriaco Haselböck hace como nadie. Porque unir a Bach, Ligeti y Liszt en el mismo concierto, tras las palabras de agradecimiento iniciales de Samuel Rubio Álvarez, sobre el papel podría parecer chocante aunque la escucha corroboró lo acertado del programa. Meine Gott Bach es perfecto siempre, comenzando con la conocida Tocata y Fuga en re menor, BWV 565, buena elección de registros y una versión muy romántica en cuanto al juego dinámico y sobre todo expresivo, acelerandos y ritardandos más allá del rubato, pletórico de sonoridades, tal vez investigando registros que aparecerían posteriormente, virtuoso y brillante más que reposado y austero, pero es partitura siempre agradecida en cualquier versión por muchos ornamentos que le añadan. Lo mismo podríamos decir de los cuatro corales del Orgelbüichlein, esta vez más plegados a lo que podría llamar interpretación tradicional, contrastante registros y prevaleciendo la melodía desde los registros buscados: intimismo reposado del BWV 639, flautados barrocos y vivos del BWV 642, vuelta a la tranquilidad de la lengüetería levemente ornamentada del BWV 641 y creciendo volúmenes con los propios registros y tempo vigoroso utilizados en el BWV 642 de factura impecable, aunque algún pasaje el pedal tomase un primer plano demasiado presente en relación a los teclados, pero nada que objetar de la visión personal de Haselböck. Difícil encontrar a György Ligeti (1923-2006) en los conciertos de órgano, algo apuntado en el discurso previo de Rubio, y es que Volumina sacó del KLAIS sonidos de tubos nunca escuchados, aprovechando la comodidad que supone poder tener automatizados los cambios de registro alternando con los manuales, una explosión sorpresiva que levantó murmullos, dinámicas amplias conseguidas con el juego tímbrico, ambiente sonoro contrastado con el silencio pétreo de La Pulchra Leonina que parecía despertar de un letargo secular con el ballet de los tiradores movidos por un fantasma llamado tecnología como ayudante invisible pero bien trabajado, exprimiendo pedales de expresión y cambios vertiginosos en un alarde de volúmenes y texturas. Desempolvados casi todos los tubos escuchar a Franz Liszt resultaría el puente húngaro entre los dos mundos alemán y rumano, el virtuosismo de las Variaciones "Weinen, Klagen, Sorgen Zagen" que delineaba tímbricas esculpidas en bruto por el contemporáneo con el ímpetu del abad reconvertido tras una vida licenciosa, romanticismo en estado puro lleno de convulsiones dinámicas con cambios de volúmenes abruptos pero bellos, jugando con la reverberación y resonancia catedralicia y la vuelta al origen, al otro dios de Eisenach enterrado en Leipzig y adorado mundialmente por todo melómano con el Preludio y fuga sobre B-A-C-H, la locura del teclado máximo con el respeto al Maestro, órgano en vez de piano pero igual de virtuosista añadiendo nuevas sonoridades solo antes intuidas, como el mármol de la cantera que montaña abajo toma forma como con Miguel Ángel, cual cierre del círculo orgánico. Para concluir nada mejor que retomar las improvisaciones, siempre parte de las propias formas musicales tan del gusto de los intérpretes que parecen recuperarse de nuevo. El tema nos lo había chivado Samuel Rubio y entregada la partitura del Himno a la Virgen del Camino, Martin Haselböck fue revistiendo la melodía de armonías francesas, pasando de las manos al pedal sin perder el norte y redescubriendo registros que encajaban como anillo al dedo el juego de acordes desplegado en las distintas variaciones. Una lección de improvisación que hizo despertar al bicho para ser domado en toda su grandeza. Buen inicio del festival en sus 33 años consecutivos y perfecto cumpleaños para esta joya fabricada en Bonn y bautizada en San Mateo de 2013, que comienza a hablar un perfecto castellano. Aún quedan muchos conciertos, variados y dentro de la Catedral de León.

Quinoff

16 de septiembre

“Leopold!”: Pequeña Fuga en Sol menor de BACH en transcripción orquestal

¿Vieron ese cartoon en donde Bugs Bunny se disfrazaba de director de orquesta y caminaba al podio mientras los músicos, al verlo, exclamaban «Leopold!»? Pues bien, aquella era una parodia de un... [[ This is a content summary only. Visit my website for full links, other content, and more! ]]




Musica Antigua en Chile

12 de septiembre

Concierto a Beneficio: La Hermeneutica Armónica anuncia concierto de despedida para la flautista Ariadna Quappe.

Domingo 11 Septiembre,  18:30 hrs.Iglesia Luterana El Redentor Lota 2330, ProvidenciaAdhesión Voluntaria a Beneficio Con obras de Telemann, Bach y Haendel La Hermeneutica Armónica se suma a las actividades de despedida y recaudación de fondos que la joven flautista chilena Ariadna Quappe viene realizando antes de comenzar sus estudios de especialización en flauta dulce en la ciudad de Milán, Italia.   Ariadna Quappe Moya (1990) Inició sus estudios musicales en flauta dulce en la Escuela Moderna de Música con la profesora Gertrud Seeger. A los 17 años ingresó al Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile bajo la tutela del profesor Sergio Candia, obteniendo la Licenciatura en Música en el año 2013 y el Título de Intérprete en Flauta Dulce en el año 2014. Actualmente forma parte del Ensamble “La Hermenéutica Armónica” grupo que participó en las 47 Semanas Musicales de Frutillar del año en curso, realizado en el Teatro del Lago y en el marco de la Xll versión del Festival de Música Antigua Europea y Latinoamericana de la USACH. Es también integrante del cuarteto de flautas dulces "La Compañía de Céfiro" conjunto asociado a la PUC, habiendo realizado conciertos en: la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Museo Nacional de Bellas Artes, Complejo Andrónico Luksic de la PUC y el Centro Cultural Gabriela Mistral. Se ha presentado como solista en el Teatro de Carabineros y en el Teatro Municipal de Las Condes como ganadora del concurso “Solistas del siglo XXl” de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Ópera Perú

8 de septiembre

Mischa Maisky: "El instrumento es un vehículo para servir a la música"

(Kaaskara - DG)Conversamos con el genio del violoncello quien vuelve a Lima para interpretar un concierto junto a los Solistas de Tel Aviv.Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)La Sociedad Filarmónica de Lima (SFL) nos da nuevamente la oportunidad de disfrutar en Lima a una de las grandes figuras del presente, el violonchelista Mischa Maisky. El vuelve después de algunos años, en que lo vimos ofreciendo un recital junto al pianista Sergio Tiempo, esta vez junto a Los Solistas de Tel Aviv, elenco de cámara con el que interpretará una serie de virtuosas obras. Este es un extraordinario cierre de oro del Ciclo Sinfónico de la SFL, el cual nos ha ofrecido a legendarios intérpretes en el Gran Teatro Nacional.Si uno se pone a nombrar a los grandes músicos del presente, Maisky estaría definitivamente en ese selecto grupo, del que podemos nombrar a Argerich, Barenboim, Mehta, Perlman, Zukerman, Mutter, entre solo algunos otros.Poseedor de una extraordinaria tradición musical (fue alumno de los legendarios Rostropovich y Piatigorsky), Maisky fue un virtuoso desde muy joven. Salió de la Unión Soviética por problemas políticos (incluso estuvo preso) y fue a residir a Israel. Actualmente vive en Bélgica y su agenda de conciertos es grande, pues está presente en las salas de concierto y festivales mas importantes del orbe.El estilo de Maisky es único, y se puede percibir en las decenas de grabaciones de estudio que ha realizado con los mejores directores y orquestas. Su conexión con las obras es directa, está en comunión con los compositores y se siente un canal entre estos y los públicos de todos los tiempos. Tuve el privilegio de conversar con el. Como todo grande, el maestro refleja sencillez y humildad en su voz, la cual es muy jovial y apresurada, como la de un joven personaje que quiere absorver toda experiencia y no pierde el tiempo.Alguna vez usted fue llamado el "Rostropovich del futuro". ¿Qué piensa de esa afirmación hoy?Fue un halago extraordinario para mi, pero al mismo tiempo creo que cada artista es único. Mientras mas grande es un artista, mas único es, así que no existe tal cosa como un segundo o tercer Rostropovich, ya que nadie lo puede reemplazar. Nunca quise ser segundo Rostropovich, siempre quise ser el primer Maisky (risas). Tengo una gran influencia suya pues fue mi maestro, y siempre lo he idealizado en la manera de interpretar el chelo, pero nunca traté de imitarlo, es imposible, el fue muy grande.Y en su carrera usted tuvo el privilegio de estudiar con el y con otro gigante como Gregor Piatigorsky. ¿Cuáles cree que fueron las lecciones mas importantes que le dejaron, que usted aplica diariamente en su arte?Si tuviera el tiempo podría escribir un gran libro sobre el tema. Pero si tuviera que ponerlo en una frase diría que lo mas importante que aprendí de ambos y de recuerdo diariamente es que, sea el instrumento que se toque, este es un vehículo que nos ayuda a lograr el último objetivo: La música. No es al revés, esta es una distinción muy importante. Uno a través del talento, arte y virtuosismo, utiliza su instrumento para expresar lo que el compositor quiso decir. Es un tema ambiguo, pero lo que debemos hacer es usar todos los medios para hacer música, y no usar a la música para mostrar que maravilloso tocamos un instrumento. Desafortunadamente, esto pasa mucho, pues las competencias suelen ser muy intensas para los jóvenes y pueden pensar erróneamente, por el deseo de triunfar, que deben tocar mucho mas fuerte, o mas suave, y diferente, así la prioridad cambia. Considero que incluso hay chelistas que pueden tocar mejor que yo, pero creo que lo que hago es tocar muy preciso y dedicado al compositor y la partitura, lo cual para mi es lo mas importante.Quizá los jóvenes músicos de hoy, con la presión que menciona, pierden de vista la tradición por la técnica pura. ¿Qué piensa de esto? ¿Le parece importante seguir la tradición de los grandes músicos predecesores?La tradición viene de muchas partes. Siempre es importante mirar atrás y escuchar a los grandes intérpretes. Para nuestra visión de la música, lo mas importante es la partitura y las indicaciones que nos dejaron los compositores. A veces seguir una tradición puede ser algo negativo, pues sin ver la partitura se puede seguir formas no escritas de interpretación y que no necesariamente siguen la intención de su autor. Es importante tener mucha información sobre lo que se está tocando para poder ser fiel de la mejor manera a la obra. Hoy en día hay muchísimos músicos que tocan extraordinariamente bien, por ejemplo, una gran cantidad de coreanos en Juilliard tocan lo que sea de manera fantástica. El nivel técnico es mas alto que nunca, Lo que hay que desarrollar es la individualidad, personalidad y esa conexión de la obra con el público, como la encontramos en muchos artistas del pasado.Maisky derrocha energía sobre el escenario, tocando en un Montagnana de 1720.¿Cuáles son las principales características que nos puede contar de su chelo Montagnana?Es un bellísimo chelo que fue construido en 1720, y por coincidencia, fue el mismo año en que Bach escribió sus famosas Suites. Cuando se habla de cómo interpretar a Bach en instrumentos de época, siempre digo que no hay mejor instrumento que este, que nació con esas gran obras. Además, Montagnana fue uno de los grandes creadores de chelos, hacía muchos de ellos en un tamaño mayor al regular, y muchos eran cortados o alterados. Soy muy afortunado de tenerlo, desde hace muchos años.¿Qué nos puede contar de su relación con los Solistas de Tel Aviv, con quienes nos visitará en esta gira?Yo he tocado con muchas orquestas israelíes desde que llegúe allí en los setentas. Incluso haciendo giras en Estados Unidos, Brasil, México, etc.Los Solistas de Tel Aviv son un elenco relativamente joven en el que tengo grandes amigos y colegas por lo que me entusiasma hacer con ellos esta pequeña gira que incluye Lima. Me gusta mucho tocar con orquesta jóvenes y especialmente si son reducidas, porque me siento mas a gusto. A pesar del color de mi pelo, me siento muy joven de corazón, en parte porque tengo 6 hijos, de 1, 3, 7 años, además de los mayores. Esa puede ser una de las razones por las que me siento mucho mas joven hoy que hace 40 años, cuando salí de la Unión Soviética. Cuando tenía 25 años me sentía demasiado viejo.Maisky y Martha Argerich son grandes amigos y trabajan juntos hace décadas¿Tiene nuevos proyectos próximamente, como nuevas obras o compositores?Estoy trabajando en nuevas obras escritas para mi, como un maravilloso Concierto para cello de Benjamin Yusupov, un compositor ruso-israelí, el cual he interpretado con varias orquestas. Luego en un doble concierto para cello y piano escrito para Martha Argerich y yo por Rodion Shchedrin, el cual también hemos llevado en Tour por Japón, Europa y mas. Espero tener mucha energía a futuro para trabajar en mas piezas. Quizá no sea reconocido por haber ejecutado demasiado música contemporánea. Para eso tengo un dicho: "Para interpretar cualquier tipo de música, hay que hacerlo lo mejor posible y dar siempre lo mejor". Por ende, si un músico no hubiera tocado a Bach, Beethoven o Mozart de la mejor manera posible, estos no serían reconocidos como grandes músicos. En el caso de la música contemporánea es igual, hay que dedicarse mucho y trabajar muy fuerte para dar lo mejor por estas obras y hacerles justicia con el tiempo. Es una gran responsabilidad.El genial Mischa Maisky se presenta este sábado 10 de setiembre, con los Solistas de Tel Aviv, a las 8:00 pm, cerrando el Ciclo Sinfónico de la Sociedad Filarmónica de Lima en el Gran Teatro Nacional. Las entradas se venden en Teleticket. Programa W.A. MOZART (1756-1791)Sinfonía Nº 41 en do mayor “Júpiter”Allegro vivace – Andante cantabile – Menuetto (Allegretto) – Molto AllegroP.I. TCHAIKOVSKI (1840-1893)Nocturno en do menor para chelo y orquestaM. BRUCH (1838-1920)Kol Nidrei para chelo y orquesta, op. 47 S. PROKOFIEV (1891-1953)Sinfonía Clásica, op. 25Allegro – Larghetto – Gavotta: Non troppo allegro – Finale: Molto vivace J. HAYDN  (1732-1809)Concierto para chelo y orquesta Nº 1 en do mayorModerato – Adagio – Allegro molto



Ópera Perú

2 de septiembre

Vuelve Mischa Maisky

Vuelve uno de los mas aclamados cellistas del mundo para una gran presentación, cerrando el Ciclo Sinfónico de la Sociedad Filarmónica de Lima el 10 de setiembre en el Gran Teatro Nacional, junto a los Solistas de Tel Aviv.(Difusión SFL) Mischa Maisky se distingue por ser el único violonchelista en el mundo que tuvo la oportunidad de estudiar con Mstislav Rostropovich y Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como “uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas. Su forma de tocar combina poesía y delicadez exquisita, con gran temperamento y técnica brillante.”Nacido en Letonia, educado en Rusia y después de su repatriación a Israel, Mischa Maisky ha sido recibido con mucho entusiasmo en ciudades como Londres, París, Berlín, Viena, Nueva York y Tokio, así como en los más importantes escenarios del mundo.Maisky se considera como un ciudadano del mundo: «Toco en un chelo italiano, con arcos franceses y alemanes, cuerdas austriacas y alemanas. Mis seis hijos nacieron en cuatro diferentes países, mi segunda esposa es mitad ceilanés mitad italiana; conduzco un coche japonés, llevo un reloj suizo, un collar indio y me siento como en casa en cualquier lugar en el que la gente aprecie y disfrute con la música clásica».Como artista exclusivo del sello Deutsche Grammophon durante los últimos 30 años, ha realizado más de 35 grabaciones con orquestas como la Filarmónica de Viena, de Israel y de Berlín, así como la Sinfónica de Londres, L'Orchestre de Paris, Orpheus Chamber Orchestra y la Orquesta de Cámara de Europa, entre otras.Uno de los hechos más destacados de su carrera musical tuvo lugar en el año 2000, cuando dedicó una gira mundial al gran compositor J. S. Bach, que incluyó más de 100 conciertos. Y con el fin de expresar su profunda admiración por este compositor, Maisky grabó las Suites para violonchelo solo de Bach por tercera vez.Sus discos han sido recibidos también con el entusiasmo unánime de la crítica mundial siendo premiados en cinco ocasiones con el prestigioso Record Academy Prize de Tokio, Echo Deutscher Schallplattenpreis, Grand Prix du Disque de París y Diapason d'Or del Año, sin olvidar varias nominaciones a los premios Grammy.Considerado un músico de clase mundial e invitado habitual de los más grandes festivales internacionales, ha colaborado con renombrados directores como Leonard Bernstein, Charles Dutoit, Carlo Maria Giulini, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Riccardo Muti, James Levine, Vladimir Ashkenazy, Giuseppe Sinopoli, Daniel Barenboim, Valery Gergiev y Gustavo Dudamel; y ha compartido proyectos y escenarios con artistas como Martha Argerich, Radu Lupu, Nelson Freire, Evgeny Kissin, Lang Lang, Peter Serkin, Gidon Kremer, Yuri Bashmet, Vadim Repin, Maxim Vengerov, Joshua Bell, Julian Rachlin y Janine Jansen, por mencionar solo algunos.Barak Tal, directorFundador y director musical del ensemble Tel Aviv Soloists, ha dirigido orquestas en las principales salas de conciertos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York, Konzerthaus de Viena, y el Mann Auditorium de Tel-Aviv.“Barak Tal tiene un estilo único e impresionante... Su libertad y control estructural infunden en el trabajo de apertura de la orquesta con aplomo e ingenio", ha dicho sobre su desempeño el crítico Malcom Miller, de la revista de música clásica Music and Vision.Ha colaborado con muchos solistas internacionales como los violinistas Maxim Vengerov, Ida Haendel, Patricia Kopatchinskaja e Ilya Gringolts, la violista Tabea Zimmermann, el contratenor Andreas Scholl, el barítono Klaus Mertens, los violonchelistas Sol Gabetta, Alexander Huelshoff y Amit Peled, los pianistas Itamar Golan, Ian Fountain, Boris Berman y Alexander Gavrylyuk, los clarinetistas Giora Feidman y Chen Halevi, y el fagotista Sergio Azzolini.Como director invitado, Barak Tal ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Israel, Orquesta Sinfónica de Moscú (Rusia), Wroclaw Philharmonic Orchestra (Polonia), Vaasa City Orchestra (Finlandia), Sinfonietta Cracovia (Polonia) y Neue Philharmonie Westfalen (Alemania), entre otras.Ha sido director principal invitado de la Israel Young Philharmonic Orchestra, director musical de la Haifa Youth Symphony Orchestra y Matan Symphony Orchestra; y director asistente de la Israel Northern Symphony.Es destinatario de los premios más importantes de Israel como el Oedoen Partos Award (2006) por su excepcional interpretación de una composición israelí, otorgado por el Ministerio de Cultura de Israel, y del Rosenblum Award (2007) concedido por la Municipalidad de Tel-Aviv. Es además receptor de becas y ayudas de la America-Israel Cultural Foundation.Ha realizado cursos de maestría en Europa con directores como Kurt Mazur, Neeme Jarvi, Jorma Panula, Vladimir Ponkin y Zsolt Nagy. Se graduó en la Academia de Música de Jerusalén, en la Escuela de Música Buchman-Mehta, así como en la Universidad de Tel Aviv, donde estudió dirección orquestal con el profesor Mendi Rodan y Evgeny Zirlin.Los Solistas de Tel Aviv“De lejos, la mejor orquesta de cámara de Israel". (The Jerusalem Post). Fundado en 2001 por su actual director Barak Tal, el ensemble los Solistas de Tel Aviv se ha presentado con artistas de renombre internacional, entre los cuales cabe mencionar los violinistas Maxim Vengerov e Ida Haendel, la violista Tabea Zimmermann, el contratenor Andreas Scholl, el barítono Klau Mertens, los clarinetistas Giora Feidman y Chen Halevi, los pianistas Itamar Golan, Ian Fountain y Boris Berman y el contrabajista Sergio Azzolini.Sus conciertos han sido recibidos con entusiasmo tanto por el público y como por la crítica especializada. "Un nivel de interpretación digno del Carnegie Hall", ha señalado Ara Guzelimian, asesora artística del Carnegie Hall.La agrupación ha actuado en las principales salas de conciertos del mundo, como el Konzerthaus de Viena y el Carnegie Hall de Nueva York, así como en los principales festivales internacionales, como Interlaken Classics (Suiza) y el Festival Arthur Rubinstein (Israel).La orquesta de cámara Tel Aviv Soloists ha recibido un premio a la excelencia de la Fundación Buchman-Heyman, y subvenciones de America-Israel Cultural Foundation y The Rich Foundation.Está conformada por 30 de los mejores músicos jóvenes de Israel, varios de ellos miembros de los más destacados grupos de cámara israelíes, jóvenes solistas y ganadores de diferentes concursos. Este elenco fue formado a partir del deseo de crear una orquesta de cámara profesional integrada por jóvenes músicos del más alto nivel. Actualmente es considerada como la voz fresca y vibrante de la música clásica israelí.Este concierto será este 10 de setiembre en el Gran Teatro Nacional. Las entradas están a la venta en Teleticket. Mostrando la siguiente imagen en los módulos de Teleticket, impresa o desde su teléfono o tableta, podrá acceder a un 20% de descuento en su entrada. Programa W.A. MOZART (1756-1791)Sinfonía Nº 41 en do mayor “Júpiter”Allegro vivace - Andante cantabile - Menuetto (Allegretto) - Molto Allegro P.I. TCHAIKOVSKI (1840-1893)Nocturno en do menor para chelo y orquestaM. BRUCH (1838-1920)Kol Nidrei para chelo y orquesta, op. 47 S. PROKOFIEV (1891-1953)Sinfonía Clásica, op. 25Allegro – Larghetto - Gavotta: Non troppo allegro - Finale: Molto vivace J. HAYDN  (1732-1809)Concierto para chelo y orquesta Nº 1 en do mayorModerato - Adagio - Allegro molto

Ya nos queda un día menos

25 de agosto

Talibanismo historicista y estilo Mozart

A estas alturas de la película, parece claro que el movimiento historicista ha aportado muchas cosas positivas a la interpretación musical, no solo al repertorio en principio más apropiado para el uso de los instrumentos originales, esto es, el que va del barroco hacia atrás, sino también a épocas más recientes, empezando por el clasicismo de Haydn y Mozart. Ha descubierto nuevos colores, renovadas maneras de articular, reveladores claroscuros, acentos insólitos y, con todo ello, nuevas posibilidades expresivas. Bravo. Pero también ha traído con él factores negativos. Uno de ellos es la confusión entre los medios y el fin, marcando como prioridad el uso de unos instrumentos, unos tempi y una articulación determinadas al tiempo que se pierde de vista la intención expresiva, es decir, la idea "detrás de las notas" que el artista, partiendo tanto del conocimiento de la estética de la época y de la personalidad del compositor como de su particular sensibilidad como intérprete, está obligado a poner de relieve para no ser un simple recreador de sonidos. Quedarse en la mera distinción entre los "históricamente informados" y los que no lo son –algunos, incluso, en lo primero en que se fijan es en el número de ejecutantes– resulta un craso error, porque el concepto interpretativo puede ser de lo más diverso. En Mozart, por ejemplo, Frans Brüggen está más cerca de Otto Klemperer que de Roger Norrington, y este a su vez lo está mucho antes de Claudio Abbado que de John Eliot Gardiner. Y este último casi podría hacer pensar en George Szell más que en su compatriota Trevor Pinnock. Otra creencia equivocada que es consecuencia del movimiento historicista –aunque no culpa de éste, sino de aquellos músicos caracterizados por su mal gusto y de aquellos aficionados perezosos de mente– es la de que ligereza sonora equivale a ligereza expresiva, e incluso a fraseo pimpante y frivolón; o de que apostar por el músculo orquestal, por los grandes arcos melódicos, por los tempi reposados y por la reflexión poética equivale a "romantizar" la interpretación. Piensan ellos que limpiar de "adherencias románticas" a Mozart equivale a algo así como quitarle las capas de mugre a la Capilla Sixtina, cuando en realidad lo que están haciendo –me refiero a los malos intérpretes, porque los hay excelentes– es restarle potencia expresiva a la partitura. El pathos y la profundidad emocional, aunque revestidos de las maneras propias de la época, son también un componente esencial del clasicismo. Negarlo supone convertir a Mozart (¡cuántas veces lo hicieron en tiempos pasados algunos de los que no habían ni oído hablar de instrumentos originales!) en una cajita de música o en un amable carrusel de melodías en el que lo más grande del autor, que no es sino su capacidad para reflexionar sobre la condición humana, se diluye por completo. Por otro lado, si en un momento dado puede parecer que aquello suena a Beethoven, no debería nadie escandalizarse: lo que hace grandes a determinados creadores, y el autor de La flauta mágica es uno de ellos, radica en buena medida en su capacidad para adelantarse a su tiempo, abrir nuevas vías expresivas y mirar hacia el futuro. ¿Qué problema hay en que el último movimiento de la Júpiter, que por algo la llamarían así, mire con descaro al poderoso mundo beethoveniano? Desdichadamente, en los últimos años se extiende una actitud intolerante que lleva a ciertos melómanos y críticos a demonizar toda propuesta interpretativa que se aleje de la praxis que ellos creen imprescindibles para acercarse a determinados repertorios. Algunos incluso llegan al extremo de descalificar de entrada a cualquier intento, en nuestros días, de abordar a un Bach o a un Haendel sin instrumentos originales y/o sin plegarse a las propuestas del historicismo. O de calificar como pesadas, mastodónticas, y fuera de estilo –wagnerianas dicen algunos, sin rubor a caer en el más risible tópico– lecturas del repertorio clásico hechas en la mejor línea de los Furtwaengler, Walter, Böhm o Bernstein, directores que –de nuevo aquí hay que fijarse en el concepto– tienen mucho que ver entre sí en lo que son las formas interpretativas, esas de la "gran tradición centroeuropea", pero poco en lo que a la idea expresiva se refiere. Lo curioso es que estos aficionados terminan siendo mucho más papistas que el Papa. Yo diría que auténticos talibanes. Porque algunas de las cabezas visibles del movimiento historicista son más tolerantes que ellos y se niegan en redondo a considerar sus propuestas como únicos modelos a seguir. Además, no confunden –como sí hacen sus ciegos admiradores– la idea expresiva con la materialización concreta de esa idea, que puede resultar de lo más diversa. Fíjense ustedes lo que sobre el Mozart de Leonard Bernstein, para algunos el colmo del "desmelene romántico" –escuchen el "wagneriano" Adagio del Concierto para clarinete que les he dejado arriba–, decía nada más y nada menos que Nikolaus Harnoncourt, un director que no podía ser más distinto al norteamericano en sus planteamientos sonoros: "Aprecio al director Bernstein como intérprete de Mozart. Sus versiones del músico de Salzburgo me han impresionado como ninguna otra. En efecto, tienen un algo más profundo que no es dado escuchar en la mayoría de las interpretaciones realizadas por otros artistas. (...) Y cuando los críticos dijero en Salzburgo que sus interpretaciones de Mozart no eran sostenibles desde el punto de vista estilístico, tuve la sensación de que estaban haciendo afirmaciones completamente injustas. Porque no hay una sola persona en el mundo que pueda decir éste es el estilo de Mozart, aquél no. Nadie puede decirlo. Y si alguien tiene una visión profunda de la obra y es capaz de interpretarla de manera convincente, entonces eso es el estilo de Mozart en este momento".Peter GRADENWITZ: Leonard Bernstein, Espasa Calpe, 1986, pp. 144-145 (las cursivas están en el original).En fin, yo seguiré disfrutando de todos los Mozart, tan variados entre sí, que me llegan emocional e intelectualmente. Los de Furtwaengler, Walter, Klemperer, Kubelik, Böhm, Solti, Giulini o el citado Bernstein; como también del Mozart de Pinnock, Koopman y Brüggen, de algunas grabaciones de Gardiner y de las iconoclastas propuestas de Harnoncourt. Del Mozart que sin duda harán los muchos grandes directores de instrumentos originales que aún están por venir. Y del sublime Mozart que hace hoy Barenboim, por descontado.

Juan Sebastián Bach
(1685 – 1750)

Johann Sebastian Bach ( 21 de marzo de 1685 - 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales. Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.



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